L’art de la performance offre l’expérience ultime d’un engagement avec le médium protagoniste qu’est le corps.
Dans les années 1960, le monde de l’art s’est éloigné de son approche traditionnelle et la recherche de nouvelles méthodes de création artistique a donné naissance à un mouvement artistique passionnant et stimulant. L’art de la performance englobe une grande diversité de styles et d’activités qui utilisent souvent le corps comme support. Ce médium a eu un impact considérable depuis 1960 et a été principalement interprété comme le résultat de l’abandon des médiums conventionnels tels que la peinture et la sculpture.
Les origines et la signification de l’art de la performance
Les dadaïstes ont été les premiers à libérer l’interaction de la poésie avec les arts visuels, en organisant souvent des événements artistiques en direct qui comprenaient de la poésie, de la musique et des films en plus de l’art visuel. En dehors de sa théâtralité, le mouvement Dada à Zurich a donné un premier aperçu du potentiel de l’art de la performance au célèbre Cabaret Voltaire. Le couple Hugo Ball et Emmy Hemmings, les fondateurs du dadaïsme, ont ouvert l’arrière-salle du Cabaret Voltaire, accueillant une expérimentation artistique turbulente sous la forme de performances chaotiques et radicales.
Avec de nouvelles formes de poésie, de la musique d’avant-garde et des performances simultanées, le Cabaret Voltaire a constitué une percée dans l’internationalisation des idées culturelles, donnant une voix au nouveau mouvement qui était sur le point de naître. Dans le cadre du mouvement allemand Bauhaus, fondé en 1919, des ateliers théâtraux ont commencé à explorer les relations entre le son, l’espace et la lumière. Bien que le terme n’ait pas encore été inventé à l’époque, il marque les premières manifestations de l’art de la performance en Europe.
Dans les années 1960, l’art de la performance a émergé et établi ses origines, se plaçant en dehors de tout élément théâtral, tout en conservant son universalité dans des termes plus spécifiques ; c’était du direct, mais c’était purement de l’art et non du théâtre. Il diffère principalement des normes traditionnelles du théâtre en raison de son rejet d’une narration claire et de l’utilisation du hasard pour attirer un public plus large. Il n’y avait aucun moyen de vendre ou d’échanger cette forme d’art comme une marchandise. Les artistes de la performance ont donc renforcé l’impact du mouvement en amenant l’art à l’extérieur et en le présentant directement au public, éliminant ainsi le besoin de galeries, d’agents et de tout autre aspect de la représentation traditionnelle de l’art. Les artistes de la performance ont cherché à renforcer la pureté de l’art en utilisant le corps de l’artiste, la chair, comme toile.
L’impact de l’art performance
Au cours des années 1960, de nombreux thèmes urgents ont gagné en voix et en statut grâce au pouvoir et à l’intégrité de l’art de la performance, le plus important d’entre eux étant le féminisme. Yoko Ono, qui a exploré pour la première fois l’art de la performance en 1962 avec l’œuvre Wall Piece for Orchestra, a développé sa pratique en invitant le public à vivre une expérience en direct plus explicite et dévoilée du corps féminin. Avec l’œuvre intitulée Cut Piece en 1964, Yoko a introduit le féminisme dans le mouvement. On peut comprendre que l’exposition du corps féminin n’ait pas eu lieu avec l’introduction de l’art performance. Pourtant, l’art performance a été le premier mouvement qui a plongé le public dans l’objectivation directe du corps féminin. L’un des aspects les plus importants de l’art performance est que les gens sont obligés de prendre leurs responsabilités, de s’engager et donc de permettre à l’artiste de créer une déclaration forte sur la narration de l’œuvre et les messages qu’elle véhicule.
L’un des attributs les plus essentiels de l’art de la performance est l’idée de remettre en question les normes traditionnelles, de déclencher une réflexion intérieure sur notre perception passive de plusieurs questions à travers l’histoire et à travers l’expérience acquise en direct. L’art de la performance comble le fossé entre le créateur, l’œuvre d’art et le public. Avec la performance connue sous le nom de Interior Scroll en 1975, Carolee Schneemann a marqué une étape importante dans l’histoire de l’art de la performance. En tirant de son intérieur un rouleau contenant des extraits explorant la sexualité féminine, en réponse aux représentations culturelles des femmes et à la déconnexion conçue entre les femmes et leur corps, l’artiste a brisé les tabous de l’idolâtrie féminine et a créé une source vocale de pensée et de créativité en ce qui concerne la vulve féminine. Avec des déclarations aussi fortes, il n’est pas étonnant que l’art de la performance soit rapidement devenu le passage obligé du féminisme pour s’épanouir dans des formes conceptuelles et physiques.
Technologie et art de la performance
Les nouvelles technologies ont effectivement eu une influence sur le développement de l’art de la performance dans les années 1980. Les fondements du mouvement permettaient d’y associer n’importe quel élément ; il n’y avait pas de frontières prévues dans ce mouvement artistique spécifique, ce qui le rendait révolutionnaire dans sa nature. En effet, en raison de la nature chaotique de l’art de la performance et du hasard nécessaire à son exploration, la technologie a parfaitement fonctionné en termes de représentation et de préservation des œuvres d’art de la performance.
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